Френсис Раттенбури и Художественная галерея Ванкувера

(Vancouver Art Gallery. 750 Hornby Street. Ph.: 604-662-47-19)

Фр.Раттенбури (F.M.Rattenbury, 1867 - 1935) родился и закончил дни свои в Англии, но все плодотворные годы провел в Британской Колумбии. Известны всего две работы архитектора в Ванкувере: классическое здание суда, построенное в 1906 году и реконструированное в 1979 году в центральную Художественную галерею (VAG), и небольшая частная жилая постройка семьи Родде (Roedde House) начала ХХ века, ставшая не так давно домом-музеем.
Имя и высокую профессиональную репутацию Раттенбури приобрел строительством в столице Британской Колумбии Виктории роскошного здания парламента (1893 – 1898). Позже там же была им построена гостиница «Empress» и еще несколько зданий, оформляющих впечатляющий фасад города со стороны залива.
По воспоминаниям современников был он человеком умным, амбициозным, заносчивым, неуживчивым. Судьба сыграла с ним злую шутку. Ни одна из его более поздних построек не отвечала величию и гармонии главного творения всей его жизни - здания парламента, отчего поползли слухи, что чертежи парламента были им украдены у своего же талантливого дядьки, в архитектурной мастерской которого в Англии он получил образование.
Во время одного из пожаров в Виктории сгорел архив и погибли чертежи сразу нескольких архитекторов, снимавших под офисы одно на всех здание, поэтому распутать старые детективные истории или проверить сплетни сегодня не представляется возможным. Однако ж и творчество, и зигзаги судьбы архитектора привлекают внимание исследователей и даже драматургов. Тем паче, что сумбурная, полная событий жизнь его оборвалась неожиданно: он не мирно почил в бозе, а был убит молодым любовником жены.
1893 год – начало карьеры Раттенбури, когда он создал проект жилого дома для своего друга Густава Родде, владельца переплетного бизнеса в Ванкувере. Дом строился в престижном в те времена районе Вест Энд в стиле королевы Анны с башенками, напоминающими по форме германский шлем, что естественно, ведь семьей Родде были иммигранты из Германии. Жизненные перипетии заставили их расстаться с домом. С 1966 года дом стал собственностью города, а в последнем десятилетии ХХ века в нем закончилась реставрация и он превращен в дом-музей. Городской блок, в котором он расположен (Barclay Heritage Square), а это еще восемь домов и небольшой прогулочный парк, считается заповедной частью и охраняется государством как памятник истории 1890 – 1910-х годов.
1906 – год постройки нового для Ванкувера здания суда, который переехал сюда с площади Победы. Раттенбури уже создал себе имя и репутацию в городе. Рассчетливо выиграв конкурс, он получает заказ и строит здание (750 Hornby Street) в неоклассическом стиле с ротондой и парадным входом, охраняемым двумя львами, точной копией британских на Трафальгарской площади. В залах, которых насчитывалось 18, более 60 лет судьи поддерживали строгость британского закона, пока в 70-х годах в связи с теснотой для судебных разбирательств не было построено новое здание. А старое, спросите вы. С 1979 года в реконструированное местным архитектором Артуром Эриксоном
старое здание суда вселилась центральная Художественная галерея,которая и владеет им в настоящее время.
Бывший главным вход, фланкируемый львами, лишь один из которых поместился на фотографии, из соображений безопасности закрыт, а на огромном зеленом газоне перед ним теперь проходят политические митинги горожан. В теплые солнечные дни регулярно подстригаемый газон служит любимым местом отдыха для усталых туристов. В центре него бьет мощный фонтан-гора, который несет прохладу и свежесть. Фонтан разместился тут в 1966 году, символизируя собой столетний союз материковой части Британской Колумбии с островом Ванкувер, что и послужило названием фонтана «Столетний».
Основанная в 1931 году коллекция галереи ежегодно пополняется несколькими сотнями новых произведений. Сегодня это самая крупная галерея западного побережья Канады. Ее фонды насчитывают более 8 тысяч работ. В основном это представители местного искусства Британской Колумбии, но и Канады, и всего мира от Эмили Карр, более 250 работ которой составляют престижную часть коллекционного фонда, до фото-концептуалиста наших дней Джеффа Уолла. Это и живопись, и скульптура, и графика, фото и видео материалы.
Галерея не гонится за дешевой популярностью, вдумчиво и терпеливо ее сотрудники ищут способы выживания в сегодняшнем конкурентном мире. Вопросы финансирования и лимитированного бюджета, так как искусство с древних времен повенчано с деньгами, стоят для них остро, однако, свое кредо – «intelligence» – они будут отстаивать несмотря ни на какие трудности.
И, между прочим, есть в галерее работы российских мастеров, ярких представителей соцарта, выпускников московской Строгановки, а сегодня известных дизайнеров из Нью-Йорка В.Комара и А.Меламида. Несколько слов о том, как они сюда попали.

В.Комар и А.Меламид

Они создали проект, который покорил мир. Не зря говорят, что все гениальное просто. В 1993 году мэтры, не посчитавшись с расходами, наняли известную, обладающую солидной репутацией фирму провести опрос и выявить любимые американцами объекты, цвет и элементы композиции в живописи. На основании результатов опроса они буквально по пунктам создали два полотна, отражающие вкусы современного американского общества со знаками "плюс" и "минус". И покатилось, как по маслу... Канада стала семнадцатой по счету страной, участвующей в проекте «Выбор народа».
Важен не Шекспир, а примечания к нему... Широко известная чеховская фраза легла в основу ванкуверского заказа. Ведущий куратор Брюс Гренвилл (Bruce Grenville) выразил по этому поводу мнение Галереи: «Вероятно, что Выбор народа, а в нашем случае канадского, более понятен как представление в целом, а не как картины сами по себе.., как диалог художника со зрителем.
Наша цель в проведении опроса была многогранной. Самым важным и внеочередным было предоставление Комару и Меламиду необходимой для написания картин статистики. Мы воображали, что проведенный опрос даст нам, наконец, возможность вразумительно определить различия, которые мы, как канадцы, имеем с американцами...» Результаты показали обратное – вкусы канадцев и американцев в живописи на удивление схожи, причем в той же мере они близки и предпочтениям большинства европейский народов, в том числе российского, то есть национальная принадлежность менее всего сказалась на художественном выборе. Выбор народа претендует стать Выбором человечества.

Эмили Карр

В центральной Художественной галерее Ванкувера всегда можно познакомиться с работами художников Group of Seven, если не в постоянной экспозиции, то в рамках одной из передвижных выставок. Творчество участников этой группы - легендарная страница канадского искусства. В их работах, объединенных мировоззренческими идеями и способами художественного воплощения, ярко и непосредственно проявилась индивидуальность каждого художника, и в то же время они стали основой канадской национальной школы живописи, ее взлетом, вершиной, точкой отсчета.
Тематика работ невелика и условно делится на в основном пейзажные, бытовые, портретные, в сущности, этнографические жанры, рисующие великолепный портрет Канады, ее суть, настроение, ее душу.
Формально группа существовала с 1920 по 1931 год, годы ее первой и последней выставок в Торонто (провинция Онтарио), но влияние ее мастеров на формирование национальной школы началось гораздо раньше, в 1900-е годы, и продолжается по сей день. Его в той или иной мере не избежало ни одно последующее поколение канадских художников.
Group of Seven, оригинально объединявшая действительно семь художников, откуда и название, часто рассматривается лишь как ядро в ряду близких им по духу и манере творчества мастеров, таких, к примеру, как Том Томсон или более знакомая ванкуверцам Эмили Карр. Коллекция ее работ в залах галереи – одна из лучших в стране.
Эмили Карр (Emily Carr, 1871 – 1945) не была членом группы, но с 1927 года участвовала в нескольких выставках, организованных группой, и находилась под влиянием творчества одного из ее лидеров, Лорена Харриса, с которым долгие годы поддерживала дружеские отношения.
Жизненный путь Эмили Карр, как художницы, был нелегок и полон как радостей творчества, так и глубоких разочарований, но всегда, помимо нескольких лет учебы, связан с Британской Колумбией.
Она осталась без родителей, когда ей не было и шестнадцати. Сумела убедить попечителя и отправилась на три года учиться живописи в Сан-Франциско, после чего несколько месяцев преподавала живопись в Ванкувере. Опять учеба, пять лет в Англии и год во Франции. При этом нездоровье засталяло ее несколько раз прерывать учебу. Возвращение в Британскую Колумбию. Попытка становления художницы не удалась. Ее самобытная манера не была воспринята местным обществом, как высокохудожественная. Работы не покупались. Персональная выставка 1913 года, где было представлено более двухсот изображений, посвященных жизни и искусству аборигенов побережья, принесла огорчение и финансовый крах. Карр пыталась убедить правительство в исторической и этнографической ценности своего творчества, чтобы продать хоть малую толику полотен и на вырученные средства продолжить работу над проектом по воспроизведению местного культурного наследства, но в силу ряда причин получила отказ, после чего более десяти лет не притрагивалась к кисти.
Только в 1927 году, после успешной выставки в Онтарио, она вновь вернулась к холстам, но преклонный возрат и нездоровье, как следствие постоянной борьбы с нуждой, серьезно ограничили возможности талантливой художницы.

Интерес публики к работам представителей группы и близких им по духу художников, поддерживаемый временем, верной политикой местных музеев и галерей и удачной рекламной компанией, фантастически вырос, особенно в последние годы ушедшего века. В этом можно убедиться, посетив один из аукционов, ежегодно в мае и ноябре проводимый ванкуверской галереей Хеффел в отеле Шератон (1088 Burrard Street), или саму галерею (2247 Granville Street). Цены на работы художников еще не достигли астрономических американских пределов, но очень к тому близки. Одна из работ Эмили Карр была продана на аукционе 2000 года за 1 млн. 18 тысяч долларов.

Самая представительная коллекция живописи Group of Seven собрана в McMichael Gallery на восточном побережье Канады.

Джефф Уолл

Один из выдающихся фотографов современности живет и работает сегодня в Ванкувере. С его работами можно познакомиться в Центральной Художественной галерее города. Его имя Джефф Уолл (Jeffrey David Wall). Сегодня ванкуверский мастер фотографии на слуху у многих. О нем пишут книги, его работы включают в лекции по теории искусства и фотографии, из-за его работ скрещивают шпаги на аукционах, их можно увидеть в лучших музеях современного искусства всего мира, недавно ретроспективная выставка его творчества прошла в Тейт Модерн в Лондоне, где в дискуссию о его творчестве включились ведущие европейские и американские искусствоведы. Работы его вызывают массу животрепещущих споров, но безусловно признано обеими спорящими сторонами – это состоявшийся мастер, чье творчество заслуживает внимания.
Джефф Уолл родился в 1949 году в Ванкувере. Он учился на факультете истории искусств в University of British Colombia в Ванкувере (1964 – 1970) и получил ученую степень в Courtauld Institute of Art в Лондоне (1970 - 1973).
Его первым увлечением была живопись, к которой он довольно рано охладел. Потом был период метаний, и лишь в конце 60-х он серьезно занялся фотографией. Он искал и нашел свою нишу художника в этом виде искусства. Сначала это был поиск средств выражения, специальных материалов, как рабочих, так и экспозиционных, а затем и нетрадиционный подход к самому понятию фотографии. Так, с середины 70-х годов Уолл начинает вставлять большого формата цветные фотографии, напечатанные на прозрачной основе, в лайтбоксы, попросту перенеся рекламно-коммерческий метод в профессиональную фотографию, что стало его знаком, его маркой. Позже ему стали тесны традиционные представления о фотографии, как об исключительно точной и прямой фиксации жизни, вгляда, его заинтриговала, как он ее сам называет «кинематографическая фотография» или «неофотография». Он пытается с большой долей достоверности воспроизвести увиденное, подмеченное прежде, воссоздать эмоциональное состояние, продуцируемое ситуацией ли, композицией ли, светом, цветом ли, живописным полотном, скульптурой, книгой. Он наблюдает, а затем реконструирует прошлое с максимальной искренностью художника, другими словами, проводит постановочные съемки, при этом не только интерьерные, но и уличные. Тем же способом Уолл создает «римейки» классических произведений искусства и свои самые спорные работы такие, как Порыв ветра и Картина для женщины, Завтрак на траве и Невидимый человек... Есть в его ретроспективе период, когда он увлеченно создает работы без действия, без героя, работы с грифом «то, что мы видим», есть и период, когда он увлекается прямым фотографированием – городские панорамные виды. C начала 90-х он начинает использовать компьютерный монтаж.
Последним зигзагом в его творчестве стала черно-белая фотография. Вернее, возврат к черно-белой фотографии уже на совершенно новом уровне. В 1969 - 1970 годах он выпустил небольшую брошюру, называвшуюся «Landscape Manual», в которую были собраны черно-белые фотографии Ванкувера, сделанные из окна автомобиля. С 1976 года он работает с цветной фотографией, и лишь в 1995 году начинает создавать крупноформатные черно-белые фотографии.
В 2007 году ретроспективная выставка работ Джеффа Уолла запланирована в Нью-Йорке в Музее современного искусства (MoMA), а следом в Чикаго (Art Institute of Chicago).